Caravaggio era barroco?

Nascido há 450 anos, em 29 de setembro de 1571, Caravaggio viveu durante a Contra-Reforma, e trabalhou em Roma. A forma de arte daquela época, com uma função política específica, era o barroco. Caravaggio é mais freqüentemente considerado um artista barroco. Quão verdadeiro é isto?

A Reforma

O desenvolvimento da nova classe média de comerciantes, comerciantes, artesãos – a burguesia – trouxe consigo a aurora da era moderna, capitalista. A expressão artística desta nova era de confiança da classe média, foi a Renascença. A Reforma, que começou na Alemanha em 1517, foi sua expressão religiosa. Esta nova classe precisava legitimar sua reivindicação ao poder político em todos os níveis. O protestantismo substituiu a antiga Igreja feudal, fortemente hierárquica, por uma que acabou com as estruturas dos homens médios. Isto refletia o novo pensamento que desafiava a hierarquia política estabelecida e aspirava, pelo menos teoricamente, ao poder político para todos.

A Reforma tinha forçado o catolicismo a recuar em muitas partes da Europa. Entretanto, fora da Grã-Bretanha, nenhuma revolução burguesa bem sucedida consolidou o crescente poder econômico da classe média que teria eliminado o feudalismo. Em vez disso, emergiu o absolutismo feudal. A nobreza continuou sendo a classe dominante, embora cada vez mais formas capitalistas tenham começado a moldar a vida econômica.

A Contra-Reforma

A Contra-Reforma são as ações principalmente políticas e militares do catolicismo, entre 1555 e 1648, com o objetivo de reverter as condições criadas pela Reforma na Europa central. Sua força motriz foram os jesuítas. A Contra-Reforma levou ao ressurgimento do catolicismo, a mudanças significativas no poder político na Europa e à recuperação da Áustria, Boêmia e Polônia para o catolicismo. A Contra-Reforma e o Barroco andaram de mãos dadas. Se o Renascimento tinha sido um período violento, a Contra-Reforma era ainda mais.

O Barroco

As artes refletiam o caráter díspar desta época. O objetivo do barroco era glorificar o poder e o esplendor externo do estado absoluto. A classe dominante se iludiu em uma plenitude de poder que há muito tempo havia deixado de possuir. Com isto veio uma diferenciação de classe sem precedentes na arte. Além da cultura dominante da nobreza, as formas de cultura burguesas-democráticas e de classe média alta evoluíram. Enquanto os interesses da classe média alta, associados à nobreza, se refletem no barroco, as tendências democráticas foram expressas em obras de arte realistas.

Caravaggio

Em 1591, um jovem pintor do norte da Itália veio a Roma. Seu nome era Michelangelo Merisi, que tomou o nome de Caravaggio depois de sua terra natal. Ele revolucionou a arte na Europa. O senso de realidade de Caravaggio, sua sensualidade mundana, restabeleceu e desenvolveu ainda mais o realismo do início da Renascença.

É um quadro desconcertante. Baco, deus pagão da folia, intoxicação, promiscuidade sexual, é retratado como alguém que pode ser vítima de tudo isso. Ele parece cansado, até mesmo explorado. As folhas e as uvas da videira, prometendo intoxicação e gratificação, são oferecidas como se fossem para um cliente. O himation branco assemelha-se a uma folha. O sorriso parece falso. Há uma sugestão de um infeliz trabalhador do sexo masculino. Isto retrata uma divindade pagã muito humana, fiel à vida.

Pintado na mesma época, Boy Bitten by a Lizard retrata outra pessoa comum, sem sinais de posição ou status, reagindo a um choque repentino.

Mais uma vez, há um indício de um jovem rapaz explorado sexualmente. Os sinais são o estado de despir-se parcialmente e a rosa atrás de sua orelha. Enquanto a rosa indica amor romântico, o jasmim, também incluído, era um símbolo tradicional do desejo. Enquanto o jovem busca cerejas, ele é mordido por um lagarto (os lagartos reais não têm dentes). Ambas as imagens devem ser vistas no contexto do público-alvo de Caravaggio – o clero romano.

O retrato do gênero

Caravaggio foi o primeiro a desenvolver a pintura de gênero, mostrando a vida das pessoas comuns. Dois primeiros exemplos disso são “A Adivinha”, (1594), e “Os Trapaceiros”

(1594). Eles se concentram nas ordens sociais mais baixas, o que se tornou um modelo importante para ele e aumentou o realismo de todo este trabalho.

Ambas as fotos foram surpreendentemente originais no final do século 16 na Europa, forçando em primeiro plano sobre a tela a classe que nunca havia sido considerada um tema estético digno – os trapaceiros.

Em “A Adivinha”, a jovem mulher é vista removendo o anel do nobre ingênuo enquanto ele olha nos olhos dela. Já a insistência de Caravaggio no realismo tanto no assunto quanto na representação é clara: a jovem mulher tem as unhas bastante sujas! Tal atenção aos detalhes realistas chocou seu público.

“Os Trapaceiros” também ri de como um jovem cavalheiro é enganado. O jovem cavalheiro opulentamente vestido chegou ao conhecimento de enganadores de cartas em um covil de jogos de azar. Seus trajes amarelos e pretos dão a entender que as vestimentas das vespas se aproximam dele. O tabuleiro de gamão na beira da mesa sugere que ele já perdeu dinheiro para eles. A narrativa do quadro implica que o cavalheiro foi persuadido com sucesso a tentar recuperar suas perdas. No entanto, é inútil. O telespectador vê mais do que ele faz: cartas de reposição nas costas de seu adversário, com um cúmplice sinalizando em código como garantir uma mão vencedora. Mais uma vez, há poucas dúvidas quanto a quem é o tolo, e quem é o tolo.

Judite e Holofernes“ (c. 1598-1599 ou 1602)

Outro exemplo famoso do realismo de Caravaggio, de sua ligação com o povo comum, é Judith Beheading Holofernes.  Judith decapitou Holofernes porque seu exército havia sitiado a cidade de Betúlia, quase a tomando. Holofernes havia tentado forçar os judeus a adorarem o rei assírio Nabucodonosor, em vez de Jeová. A ação de Judith em defesa de seu povo e de seu único e verdadeiro Deus era de grande atualidade. A luta contra a “heresia” por qualquer meio foi central para o pensamento católico durante a Contra-Reforma, com a autoridade do Papa fortalecida, a igreja em Roma centralizada, e os jesuítas, como defensores da fé, se propuseram a converter hereges, ou matá-los. O exemplo mais chocante de tal perseguição aos hereges foi o massacre de Bartolomeu de milhares de huguenotes nos dias 23 e 27 de agosto de 1572. Em 1600, Giordano Bruno foi queimado até a morte na fogueira.

Em sua representação de Judith, Caravaggio usou Fillide Melandroni, uma conhecida cortesã, como modelo. Ela foi imediatamente reconhecida pelo povo de Roma.

A matança por motivos religiosos toma o centro das atenções neste quadro. Os artistas renascentistas tinham se concentrado na beleza da forma humana e da natureza, não tanto no sofrimento humano. Durante a Contra-Reforma, o tormento e a violência tiveram um impacto considerável na arte, como tiveram na vida cotidiana. Caravaggio pintou o momento em que Holofernes é decapitado, sua cabeça apenas meia-série de seu corpo. Seus olhos se abriram com horror, sua boca gritando. As cabeças cortadas pregadas na Ponte S. Angelo sobre o Tibre, eram uma visão comum em Roma.

Judith é pintada com as melhores roupas de uma mulher do povo. Caravaggio também se afasta da tradição bíblica ao mostrar a empregada ao lado de sua amante. Esta é uma representação intensamente realista da mulher trabalhadora. Ele pintou diretamente da vida, mostrando as rugas no rosto e nas mãos trabalhadoras desta mulher. De fato, ela se mostra disposta a segurar seu avental com prontidão para receber e dispor a cabeça. Os contemporâneos de Caravaggio consideram tal retrato “natural demais”. A empregada realmente se destaca no quadro contrastando fortemente com a beleza mais idealizada de Judith, e até mesmo de Holofernes. Ela é escolhida e pintada como um terceiro ponto focal, a não perder.

Nesta pintura, Carravagio usa pela primeira vez o contraste luz/escuro, que se tornaria característica de sua obra: figuras, acentuadas pela luz artificial, destacando-se contra um fundo escuro. Nesta técnica, Caravaggio prefigura Rembrandt.

“São Mateus e o Anjo” (1602)

A pintura de Caravaggio 1602 foi originalmente destinada ao altar principal da Cappella Contarelli em San Luigi dei Francesi, em Roma. Trata-se de um quadro que existe em duas versões.

Neste primeiro quadro, São Mateus se senta em uma cadeira de tesoura, vestido com roupas curtas de artesão, deixando os braços e as pernas nuas. Suas pernas são cruzadas e seu pé esquerdo quase quebra o quadro, no ponto em que um padre segurava o anfitrião na missa. Para piorar a situação, Matthew está com os pés chatos e sujos sob as unhas dos pés. Ele parece ter dificuldade para escrever, suas mãos não estão habituadas a segurar a pena, enquanto ele espreita as páginas; até mesmo sua escrita parece muito grande. O anjo o ajuda a escrever o Evangelho.

O espectador olha para a cena de cima. Parece que Caravaggio deu a Mateus a semelhança de Sócrates, muitas vezes retratado como um homem humilde, que disse que a única verdadeira sabedoria está em saber que você não sabe nada. O clero rejeitou a interpretação de Caravaggio do santo como um camponês analfabeto e se opôs à relação íntima entre o apóstolo e o anjo que segurava sua mão. Ele teve que pintar um segundo quadro.

A segunda pintura de Caravaggio é menos realista. Mateus não está mais vestindo roupas de trabalho. Ao invés disso, ele está biblicamente vestido e torres acima do espectador. O anjo paira sobre ele, não há contato físico, e Mateus escreve por si mesmo.

“Morte da Virgem” (1604-1606)

Caravaggio se recusou, sempre que possível, a se curvar ao diktat da Contra-Reforma. Muitas de suas obras foram rejeitadas por causa de seu intenso realismo, sua representação de pessoas comuns e trabalhadoras em suas pinturas. Ele usou modelos da vida real para suas figuras religiosas, famosamente prostitutas romanas, como modelos para suas Madonas.  Uma das conhecidas cortesãs, Anna Bianchini, afogou-se, possivelmente assassinada, no Tibre, em 1604. Caravaggio tinha sido encarregado de pintar a Morte da Virgem e, segundo a lenda, ele usou o corpo inchado de Anna como modelo para a Maria morta.

A pintura causou um protesto, porque a identidade de Maria era tão clara. Seus pés descalços, seu vestido vermelho e o realismo da morte, tudo isso faz com que ela tenha uma aparência profana, imprópria para um quadro devocional da mãe de Cristo. Um biógrafo primitivo sugere que Caravaggio pintou o assassino no quadro: o jovem escuro e barbudo, olhando para longe da cena.

O senso de realismo de Caravaggio impediu a pintura de formas idealizadas. Como vimos, mesmo em suas pinturas religiosas, ele usou modelos da vida real entre as pessoas comuns. Para Caravaggio, estas eram as pessoas que importavam, que a vida era toda, no que diz respeito a Caravaggio.

Caravaggio trabalhava principalmente para o clero romano. Conseqüentemente, a maioria de suas obras tem temas religiosos, mas são profundamente humanistas. Este pintor rejeitou a maneira barroca altamente ornamental, vazia e muitas vezes triunfalista. Ele pintou a realidade cotidiana, as pessoas comuns que ele encontrou nas ruas de Roma, incluindo os mais necessitados – mendigos, prostitutas, criminosos. Mesmo suas pinturas religiosas estão sempre ligadas à violência e à privação que Caravaggio viu ao seu redor. Ele não estava disposto a olhar para o outro lado. Esta é a vida que encontramos nas telas de Caravaggio, este é o seu tempo do qual ele não podia escapar. A vida ao seu redor era uma dor total, e a insistência de Caravaggio no realismo destaca isto. E por esta razão ele não pode ser considerado como um pintor barroco. Os realistas dos séculos seguintes poderiam justificadamente se referir a ele.

Quando Caravaggio matou um homem em uma briga em 28 de maio de 1606, ele foi forçado a fugir de Roma e passou o resto de sua vida em fuga, passando o tempo em Nápoles, Malta, Messina, Palermo – deixando para trás obras-primas que influenciaram duradouramente a arte européia do século XVII. Ele morreu no exílio, logo após chegar em Porto Ercole, em 18 ou 19 de julho de 1610, com apenas 38 anos, e foi enterrado em uma sepultura sem marcas.